Junto a su obra: Sandra De Berduccy, durante la inauguración de la exposición que honra su trayectoria.

Alex Molina Barrios

Comunicador social

La Bienal Internacional de Arte “SIART 2018” realiza un homenaje a la trayectoria de la artista Sandra De Berduccy / Aruma, con una exposición monográfica en el Museo Nacional de Arte, en La Paz.

El 15 de noviembre, en un acto en el que participaron artistas y curadores nacionales, internacionales y autoridades de las diferentes instituciones culturales del país, se inauguró la décima versión de la bienal SIART bajo el título “Los orígenes de la noche”, que en palabras del director del Museo Nacional, José Bedoya, “constituye el encuentro más importante de artistas que se realiza en Bolivia”.

La exposición de Sandra De Berduccy, que nació en Oruro y vivió en Cochabamba, presenta un reminiscente recorrido por las diferentes etapas de su investigación, experimentación y producción artística.

En tu trabajo existe una permanente hibridación entre técnicas tradicionales y tecnologías contemporáneas. ¿Cuál es la justificación que encuentras para realizar ese entrecruce cultural?

En todas las culturas, el tejido ha ido de la mano de la más alta tecnología de su tiempo. Incluso ahora, esta premisa está en pleno vigor.  Si asumimos que las tradiciones textiles son expresiones de pensamientos altamente tecnológicos y, que las tradiciones culturales son todo, salvo estáticas, podemos ver al tejido tradicional desde su complejidad. Desde este punto de partida, se trata de entender el textil como tecnología, como un sistema complejo y altamente ordenado, donde el telar cumple la función de una máquina de pensamiento operada por la tejedora por medio de una secuencia de algoritmos. Por esta razón se ha dicho que las lógicas y los razonamientos textiles son el software inherente a toda tecnología.

Esta idea comienza a impregnar mi trabajo luego de muchos años de experimentar con “tecnologías” para obras de vídeoarte, live-cinema, videoinstalaciones, etc. En algún momento comprendí que esas tecnologías que empleaba eran un misterio para mí, algo así como “cajas negras”. Yo sólo conocía la “entrada y salida” de los aparatos que utilizaba. Entonces, desde el año 2009, empecé a crear dispositivos Low tech (como proyectores de cajas de frutas), iniciando el camino de conocer y entender el cómo la electricidad fluye y se manifiesta.

Desde mi pequeña casa, al lado de un bosque nativo, me sumergí en aprender electrónica y programación de forma autodidacta al mismo tiempo que aprendía técnicas textiles complejas de mis vecinas; maestras tejedoras, mujeres quechuas custodias de una tradición textil milenaria. Siglos de razonamientos tecnológicos encriptados en un textil. Desde entonces, los procedimientos que utilizo forman parte de un proceso de experimentación con electrónica, electroquímica, programación y técnicas textiles tradicionales.

De acuerdo a tu biografía, pareciera que deambulas entre el aislamiento de comunidades indígenas y museos. ¿Cuál es la importancia de ese vivir en tránsito?

Es mi trabajo el que me ha llevado, y me sigue llevando, a lugares no imaginados. Desde mis primeras exposiciones en chicherías de pueblitos de Cochabamba, pasando por mostrar mi trabajo en una pequeña isla en el Brasil a la que sólo podías acceder navegando en lancha a través del mar, o en salas de Nueva York, Londres o Berlín. Incluso me ha llevado a lugares donde yo no fui, pero sí mis obras. En este ir y venir, vives experiencias intensas en las que sales de tu mundo conocido y te adentras en otros mundos. En uno de esos viajes me tocó vivir un año entero en la selva maya, en Guatemala, investigando sobre tintes naturales y escalando pirámides mayas. En otros, me tocó empaparme de mar y de cultura afrobrasileña en Bahía; tejer con maestras de diversas partes del continente y, finalmente, conocer extremos de nuestro propio país. Es en este tránsito, donde te cuestionas el sentido del arte y para quienes está destinado lo que haces.

 ¿Mostraste tus obras en un bosque nativo?

En el año 2016 realicé una exposición titulada “e-aruma; las líneas del planeta”. En la oscuridad del bosque nativo de algarrobos de la comunidad de Payacollo, en Capinota, las obras tejidas con fibra óptica adquirieron su verdadera dimensión, pues muchas de las obras exploraban textiles ancestrales con la energía transformada en luz y color.  Empleando fibras tradicionales, sintéticas, hilos conductivos, fibra óptica y electroquímica, la mayoría de las obras eran interactivas y la gente de la comunidad pudo ver tejidos familiares de una forma diferente.

LA ARTISTA

Sandra De Berduccy nació en la ciudad de Oruro, radicando desde su infancia en la ciudad de Cochabamba. Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Mayor de San Andrés, UMSA, realizó una Maestría en Artes Visuales en la Universidad Federal de Bahía-Brasil. En 2013 fue artista asociada de ESCALA -Essex Collection of Art from Latin America, Reino Unido. Este año realizó una colaboración con el proyecto PENELOPE: A Study of Weaving as Technical Mode of Existence, del Deutsches Museum, Munich, Alemania, cuyo resultado es el telar sonoro que se presenta como parte de las obras en la exposición.

CONSTELACIÓN

Manos sutiles

Según Joaquín Sánchez, curador general de la Bienal, en esta muestra se descubre la Constelación Aruma: “…la tan elegante, sutil y casi invisible mano de Sandra, en experimento de cuidadosa selección artificial artística, funde y devela urdimbres de técnicas tradicionales con la complejidad de la alta tecnología que a veces flirtea con lo low tech. Desde una mirada panorámica, el volumen aparente del corpus artístico de Aruma abarca una dimensión de horizontes ilimitados.  El taller de Sandra es un depósito frondoso de investigaciones, sedimentos y sentimientos que entretejen con luz la anatomía misteriosa del hombre.